贝多芬吉他弹奏基本技巧 浅析贝多芬弦奏鸣曲的复调特点及其作用

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浅析贝多芬弦奏鸣曲的复调特点及其作用

浅析贝多芬弦奏鸣曲的复调特点及其作用
在世界著名的音乐家中，贝多芬是无法被取代和超越的音乐家之一，他以现实生活为北京，将自身情感的充分融入其中，创作了三十二首钢琴奏鸣曲，这部曲集是巴赫四十八首平均律之后堆钢琴文献历史具有最大贡献的曲集，在演奏过程中，需要依据曲集本身具有的特点进行分析，注重手指、踏板等多角度的技巧使用，才能在今天的演绎中呈现完美的演奏。
一、 钢琴奏鸣曲的自身特点
想要对贝多芬钢琴奏鸣曲进行完美的把握和呈现，需要对作品本身有充分的了解和分析，通过对背贝多芬人生经历的了解，以及对他所创作钢琴奏鸣曲的前后经历进行把握，才能在整体上理解贝多芬作品中呈现出的感情色彩。
1、 融入古典奏鸣曲的演奏技巧
贝多芬受到古典主义音乐形式与特征的影响，在钢琴奏鸣曲的创作中，融入了许多古典音乐的元素，并在这基础上进行了创新，这种创新让贝多芬的钢琴奏鸣曲具有不同于古典音乐和其他音乐的新特征。通过对这些特征的把握，可以伴我我们更好的找到音乐间的共同点和特征。我们会发现，在贝多芬奏鸣曲中，有呈现部、发展部和再现部三个部分，每个部分的特征都比较明显，并且在呈现部与再现部中都有一个小部分的总结部；在钢琴奏鸣曲的整个音乐表达中，所呈现出的情绪特征也很强烈，感情的变化幅度也较为明显，在快慢的不断结合中表现出了不同的感情色彩。因此，结合这些乐曲本身的特点，演奏者在演奏过程中要熟悉每个部分呈现出的特色与感情色彩，以便了解和掌握。
2、 多章节的钢琴奏鸣事演奏技巧
贝多芬的钢琴奏鸣曲基本是由好几个乐章相互结合呈现出的套曲，每个乐章的节奏、音色、感情色彩都不一样，他的乐曲在构思和情感表达上与其他钢琴曲有很大不同，在每个章节的钢琴奏鸣曲都融入了古典音乐等音乐元素，在注重音色力度及踏板等细节的同时，对乐曲进行了音色曲调及表现形式上的创新，这种创新使贝多芬钢琴奏鸣曲中融入了许多短小的乐曲表现技巧。因此，在对贝多芬钢琴奏鸣曲的演奏过程中，弹奏者要注重其中细节的体现，注重每个乐章不同的音乐特点，只有对其钢琴奏鸣曲熟悉了解的基础上，才能更好的进行弹奏。
二、 关于力度与强音的演奏技巧
贝多芬的钢琴奏鸣曲有很强的节奏变换，在曲谱中也标注了很多强音，面对不同强弱的音色，演奏者在演奏过程中要注意手指的弹奏力度，通过不同力度表现出每个音符的强弱。在强弱的转换中使乐曲流畅的表现出情感特点。常见的力度变换表现在渐渐变强的过程中突然出现一个弱音，或者没有渐强的过程，在弱音时候突然出现强音。例如，在贝多芬钢琴奏鸣曲的“悲怆曲”中，可以看到在显示部中的第一句是以弱音为主的，而在发展部则呈现逐渐变强的趋势，在结尾不其首句便是以强音呈现，这些不同音色的强弱对统一各乐曲材料与符号产生了不同的效果，在整个乐章中，也呈现出整体上的强弱区别，通过这些强弱音色间的不同变换，表达出了贝多芬在叉棍做过程中的不同感情流露。
三、 关于音色与踏板的演奏技巧
贝多芬的钢琴奏鸣曲具有自己的音色特点，贝多芬比较喜欢有婚后音色的钢琴，在他的钢琴曲中，通过乐曲表现自己对生活的态度、想法和追求，他对钢琴演奏中每一个细节的关注使他的乐曲呈现出最为完美的刚晴流露。我们可以看到，在贝多芬钢琴奏鸣曲的乐谱中是有踏板记号的，例如，在“暴风曲”这一乐章中，第一章及其结束章节都有踏板记号的存在，利用这些踏板的使用，可以将整个乐章中的感情及气势烘托出来。
我们在以音色为基准的踏板使用过程中，要根据乐谱对贝多芬做出的踏板标记进行仔细琢磨，在演奏过程中为了避免不必要的颤音出现，可以适时的添加一些踏板的应用，自然对自己使用的钢琴踏板也要经常进行检查，即时对踏板进行更换，这样才能保证在钢琴奏鸣曲的演奏过程中更好的利用踏板呈现演奏的完美状态，在踏板的踩踏过程中，我们需要注意的是踩下和放开的动作要轻、要稳，最好是只对踏板的四分之三进行踩踏，避免出现不必要的踩踏，使演奏出的音色更纯正。
四、 关于贝多芬风格把握与速度的演奏技巧
在贝多芬钢琴奏鸣曲的演奏过程中，演奏者要首先了解贝多芬钢琴奏鸣曲的创作风格，在学习演奏前应多听他的乐曲弹奏，把握贝多芬在乐曲中呈现的坚韧的性格特征和对生活充满乐观、积极向上的心理特征，通过认真听把握乐曲在细节结构上的音色音调，这样的把握有助于演奏者正确认识和把握整个乐曲，只有与创作者达成心灵上的共鸣，才能将创作者的乐曲进行具有感情色彩的弹奏。
在对贝多芬乐曲风格进行把握的基础上，弹奏着也要注重演奏中弹奏速度的快慢，速度作为贝多芬钢琴曲的又一主要特点，在结合了古典音乐元素的基础上，他的作品的演奏速度趋向于平稳，在每一章节的演奏中，要注重每一个细节的把握，使每一个章节在平稳的速度中呈现节奏的快慢及音色的强弱，使整个钢琴曲的演奏在总体上呈现相互均衡的状态，进而达到演奏者与作品融为一体的状态，使贝多芬的钢琴奏鸣曲真正体现其中的感情色彩。

如何用吉他弹交响曲？比如贝多芬的《悲怆》？

我也想啊，我还想弹柴可夫斯基的第一钢琴协奏曲呢。唉，除非有大师改编好了，有谱才行，自己的话很够呛啊。除非是把旋律用单音弹出来。你还是找些古典吉他曲目吧，比如阿尔罕布拉宫的回忆，阿斯图里亚的传说什么的。克莱克曼的钢琴曲有不少改编的吉他曲，难度不算太大，也不错，网上到处都是。

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吉他新手怎样练习音阶

无论在任何乐器中，音阶的练习都会伴随演奏者一生，从初学到最后技术与音乐性日趋成熟之后，不同的阶段都有不同的练习目的。今天学习啦小编给大家整理了初学者吉他怎样练习音阶，希望对大家有所帮助。

演奏音阶的要求主要在以下几点
1、音与音之间完成的要连贯，给人一气呵成的感觉。吉他本身的特点造成发出的音是以颗粒状出现。这一点与钢琴相似，比起其他弓弦乐器来，在发音的连贯流畅方面就有一些劣势。所以为了做到连贯统一，吉他演奏者必须掌握的基础的一项技术，就是保留指法。在音阶练习中，如要做到连贯统一，也就必须运用保留指法这个技巧。这就是说，要保持每个音之间不间断，必定在弹完某个音后某个指头必须保留在琴弦上，以使其延长。并且这个保留的手指，不能影响下一个音的出现与质量。在演奏音阶中，做到这一点，必定可以练习手指的独立性。这也是音阶的基本练习目的之一。
2、音色要统一、优美。一条完美的音阶，音色应该是统一、优美的。一个完美音的发出，综合了左右手的很多细微的技巧，非一日之功。在音阶练习中，我们就要积累对音色美感的认识，和对音色的敏感。左手按弦的方式，按弦的力度、时机等等条件，都能影响到音色。右手的过弦速度、力度、角度也能影响到音色。其中涉及面较广，就不详细解说。提出音色要求，只是希望大家在演奏音阶的过程中，培养一个对音色的意识。
3、强弱的起伏。音乐是有规律的，如果遵循这种规律，那音乐既可得到生命，这样才具有感染力。其中很重要的一点，很多人都忽视的一点，就是演奏中的强弱起伏。这也就是平时所说的音乐中的感情体现的一个方面。那强弱的规律，在音阶中很好体现，所以我们应该在音阶练习中形成科学正确的对音乐的理解方式。具体的做法很简单，就是上行的音阶渐强，下行的音阶渐弱。很多人在演奏中，虽然乐感能到位，但却没有做过这方面的训练，基本工夫不够，所以造成想强强不上去，想弱弱不下来。所以音阶也是练习这方面的一个很好的工具。
4、速度的均匀。与前面几点相比，速度是最不容易被练习者疏忽的一个问题。但真正对速度的要求，不仅仅是在快，更重要的是在慢。关于这个，可以举个很简单的例子，当你在以60的速度1对8的弹一个音阶的时候，也许你的每个音之间的时值是很均匀的。而当你以每分钟60拍的速度1对1或者1对2的时候弹同一个音阶，你的每个音的时值会变的很不平均。所以我提倡的还是慢练，越慢越好。在慢练的过程中，去努力做到上面所说的3点。当这三点都做的很完美了速度也均匀了，自然音阶也能弹到很快了。并且快而精。
以上是从音乐性的角度出发，所谈的音阶练习的几个要求与方法。大家可以从上面的要求看出，音阶的练习几乎包含了所有音乐最基本的内容。所以无论什么程度的演奏者，音乐的练习都是必不可少的。
音阶练习要领
第一，左手四指必须平行于指板。叫一条线理论，为啥这样说?因为四指只有都平行于指板了才能做到四指同时能放在任何一根弦上。只有这样日后才能做到每秒弹18下，即18个音的快速。
第二，叫长音理论，为啥这样说?保证每个音发的悠扬就像唱歌一样有歌唱性，每个音发的长长的，而且有呼吸性。
第三，是连接理论，啥意思?就是说各个音之间不能出现断音和顿音，呼吸性指有起伏感觉即抑扬顿挫之感。
第四，是颗粒理论，啥意思?就是说每个音保持足够的清晰性，就像白居易的大珠小珠落玉盘一样的搭达达。
第五，是均匀理论，意思是每个音之间非常的匀称，不能出现不均，除非是变化节奏练习。
第六，是强弱理论，意思是按节拍练习，3拍是强弱弱，4拍是强弱次强弱，2拍是强弱，6拍是强弱弱次强弱弱。强是指音弹得重些，出触弦深些，均匀是指音距，强弱是指音的高低。
第七，是按摩理论，意思是左手就像按摩似的柔软，根本没有按得感觉，你试试，只有这样速度才能与日俱增。
第八，叫哑音同步理论，所谓哑音是指左手按弦力度必须小，小到能发的实在但最接近哑音的那个音刚好是我们左手所需的力度。同步是指左手按弦和右手拨弦必须在同一个时间点上。
吉他弹唱有效率有目的的练习
1：每次都要正确地“热身”刚从别人那里拿来一堆快得像机关枪似的旋律就开始练习，这可不行。弹吉他也像跑步或任何形式的运动一样，手指需要先做“热身运动”，才能达到良好状态。你首先需要做一些左手手指的扩展运动，从幅度小的到幅度大的，这样可以让血液流到你的指尖。然后再做一些音阶弹奏练习。这类练习有很多，你可以选择一套自己喜欢的。
2：在学新东西的时候，练习的速度以不犯错为准。
这一点再怎么强调也不过分，每次你学弹一首新旋律的时候，你第一次弹的状况就是你的大脑被指令牢记。并在将来照样弹出的状况。因此，如果你允许自己弹错，而不停下来纠正，你实际上是在告诉你的大脑，可以一遍一遍地犯同样的错误。除非你借用某种信号，让你的大脑知道错误是不可接受的，否则，错误就会被编成程序，永远地停留在你的潜意识里。一旦定好了程序，犯同样错误的可能性总是存在的。即使你想努力重新改写程序，你的潜意识里也是有了弹奏同一段旋律的两个程序。这样，你上了台，用哪一种程序呢 ?正确的概率只有百分之五十，这多可惜。要避免这一点，就需要你在平时的练习时，不要弹错;特别是最初的几次。而不弹错的关键就是放慢速度。多慢才合适呢?以不弹错为准。(在这里我想说一点我个人的愚见，不仅是平时对着谱练习时要注意这一点，像我们这些玩bass的菜鸟在平时扒带的时候也要注意，尽量听准了音，在最初的几次把谱完整的扒出来，当然到了一定时候即兴玩得很好的时候也可以自己加些东西进去，使音乐更加完美。)
3：一旦你弹熟一个旋律，就放下吉他，在脑子里想象它。在你缓慢地正确无误地弹奏一段旋律之后，把吉他放下，闭上眼睛。你需要保持绝对安静，不要看电视，不要让任何东西打扰你。在脑海里想象刚才正确的弹奏动作。想象刚才弹奏的音符(特别是重点难点)。想象你的手指在缓慢地弹奏一个又一个音符。你要学会这种想象，它可以使你的练习效率提高30%。也就是说，别人弹奏10遍，你只要7遍加3遍想象就可以了，并且效果好得多。这种练习可以在沉思或入睡之前进行。这种练习的另一个好处是可以培养你快速集中注意力的能力。
4：在练音阶或其他重复性技巧的时候，可以看电视或聊天。这一点听起来有点奇怪，我来解释一下。前面说过，在你学新东西的时候，要尽量减少分神的东西，以便使你的头脑遍好正确的程序。但是，到了你真正学会了，可以闭上眼睛想象出整个旋律的时候，就应该让负责速度和灵活性的神经元接管它们。所以看电视的时候进行音阶等练习，实际上是分散你大脑的注意力，让它不再起作用，这样就可以最大限度地放松，而让神经元最大限度地发挥，这样速度就产生了。看电视或聊天时若觉得吉他音量大的话，可以用一块布塞在靠近琴码处的弦的下面。
5：弹奏的时候不要看手或吉他的琴颈。如果你还要问“为什么不能看”的话，那么你就需要把上面的内容重新再读一遍。我们已经知道了让大脑不起作用的好处，现在我们再让你的眼睛也起不了作用。再说一遍，如果你弹曲子的时候眼睛还得看指板，那么说明你还没有真正掌握这个曲子。不仅如此，你甚至还不了解吉他上的各个位置。在演奏音乐的时候，眼睛是五种感觉器官中最不重要的一个。想一想，贝多芬及一些盲人音乐家，他们的优势在于，当没有视力的时候，听觉和触觉的敏感性会提高到一个新的水平，试一下闭着眼睛弹的效果。你观看最出色的乐手演奏，就会注意到他极少看自己的手或吉他(即使偶尔看也是另外意义上的看，不是去棒子机找准音符)。你应该看你应该看的地方，如：你的观众。要养成不看手或琴颈的良好习惯，这一点很重要，并且要从现在开始。
6：一定要背谱。 当你把一段旋律的节奏。速度。把位。和音符都搞清楚后，就应把谱子放到一边去，越早越好。你要努力记住谱子上的一切，并把它转化成旋律刻在脑子里。今后你只要想到了这段旋律，马上就可以把它弹出来。
7：大量的短时间练习效果最好。 一个人的注意力只能维持一定的时间。已经证明了，几次短时间练习加上休息，比起依次长时间的练习，效果要好。我自己弹琴时发现，如果集中精力练一个小时到二个小时后，休息15到30分钟，然后再接着练，练习的效果就非常好。如果我某一天不在状态，或者不知为什么注意力不集中，我就把没段练习时间缩短到15分钟，中间可能休息15分钟。实验一下，找到你自己独特的生物钟，然后再决定什么时候练习及练习多长时间。

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